ANÁLISIS DE OBRAS ARTÍSTICAS Y SU CROMÁTICA - DAVID ALEJANDRO LOMA ONTANEDA

UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL

NOMBRE: DAVID ALEJANDRO LOMA ONTANEDA     FECHA: 14/07/17

ANÁLISIS DE OBRAS ARTÍSTICAS

LA GUERNICA DE PABLO PICASSO.

CUALIDADES:  

·         Obra realizada en la época de bombardeo en Guernica

·         Realizada en 1937

·         Obra de óleo sobre lienzo

·         dimensiones de 3,50 m de alto por 7,80 m de largo

·         Uso de colores acromáticos y gama de grises

·         Composición triangular, teniendo como referencia de la figura la cabeza del caballo incluyendo en su zona baja la estatua y la mujer que avanza.

·         Uso del cubismo

·         Uso de la deformación, propio de Picasso para resaltar la expresividad

·         Peso visual equilibrado

(Camarasa, 2013)

ARMONÍA:

·         Colores Acromáticos

·         Escala de grises

PSICOLOGÍA:

·         Blanco: Vacío, Amplio

·         Negro: Muerte, luto, mal

SIMBOLOGÍA:

·         TORO: representa el estar aturdido, brutalidad y oscuridad

·         MADRE CON HIJO MUERTO: Representación habitual del arte cristiano de la virgen María y su hijo.

·         PALOMA: Símbolo de paz rota

·         GUERRERO MUERTO: La espada que posee es un símbolo de un rayo de esperanza

·         BOMBILLA: Símbolo de los avances científicos y electrónicos, la bombilla también  representa a Dios que lo ve rodo.

·         CABALLO:  Representa a la gente de aquella época

·         MUJER ARRODILLADA: Representa el dolor y sufrimiento de las personas

·         MUJER CON LAMPARA DE QUEROSENO: Representa la reacción en shock de las personas, además, el dolor que estas escenas causan.

·         HOMBRE IMPLORANDO: Una forma de representar el “Basta de guerras” ante la brutalidad de aquella época.

(Roman, 2012)

EL BESO DE GUSTAV KLIMT

CUALIDADES:

·         Obra realizada en 1907-1908

·         Óleo sobre lienzo

·         Dimensiones de 180 x 180 centímetros.

·         Composición Vacui

·         Estilo Art Nouveau

·         Uso de Colores tanto cálidos como fríos,  destacando los cálidos,

·         Peso visual en la parte central del recuadro.

ARMONÍA:

·         Colores Cálidos,  (el amarillo sus derivados como dominantes)

·         Colores opuestos

·         Colores análogos

·         Colores primarios y secundarios

·         Grises cromáticos

·         Psicología:

PSICOLOGIA:

·         AMARILLO: Representa la espontaneidad de la escena, muestra la pasión.

·         NEGRO:  Este muestra la elegancia y misterio

·         NARANAJA: Este color destaca los atuendos de los personajes, haciéndolos más llamativos de lo que ya son.

·         BLANCO: El blanco muestra y resalta el aspecto de una escena romántica y de un amor puro (Pureza), el cual es lo que plasmó Gustav.

·         VERDE (Verde Azulado): La tonalidad azul de este color compuesta, representa la armonía que se puede inferir al ver la escena del beso entre los dos personajes. EL tono Verdoso del mismo nos muestra la Juventud, la misma  que se puede hacer referencia a la imagen de los personajes. Además, este color muestra la Naturaleza, la cual podemos encontrar en la parte inferior de la obra

Tomando en cuenta los colores plasmados en esta obra podemos asumir que la obra muestra el amor, por dos personas jóvenes. El color Amarillo es uno de los que más destaca, por ser el mayor en cantidad, este muestra la alegría. Se puede decir que este color y el resto se complementan entre sí con el fin de mostrar una escena emotiva de amor.

SIMBOLOGÍA:

·         FONDO DORADO, ROPA DORADA: Gustav Klimt uso el color dorado  inspirándose en los fondos pintados con oro de los cuadros y acabados de la Iglesia de San Vitale en Italia

·         HOJAS DE ORO: Las hojas doradas es una referencia del tema del erotismo de aquella época.

·         LOS AMANTES (PERSONAJES): Representa el amor puro que se da entre los amantes.

·         PRADERA DE FLORES: Representa la madre naturaleza, resaltando aún más el simbolismo de amor entre los dos personajes.

·         DECORACIÓN DE LAS CAPAS: Es una referencia al arte mosaico y sus diferentes representaciones. El hombre viste una capa con decoración de mosaicos en cuadrados a blanco y negro, mientras que la mujer viste una con decoración de mosaico circular de colores y flores.

·         POSICIÓN DE LOS CUERPOS: El  hombre muestra una posición exagerada en su cabeza y cuello, esto representa el perder la cabeza literal y figurativamente para darle un beso a la mujer, la cual muestra la pasión del momento, esto lo demuestra el abrazo, sus ojos cerrados, y el cuerpo sin resistencia.

·         PERSONAJES: Los dos personajes representan la conexión de energías opuestas. El hombre muestra un contraste blanco y negro, binario, racional y mostrando su fuerza cuando atrae a la mujer en sus brazos. La mujer equilibra esta energía con su cariño, calor y color que se retroalimenta de la ‘madre naturaleza’ a través de los hilos de flores saliendo de sus pies.

El cuadro El beso representa el ‘sentimiento’ de la pérdida de uno mismo que los amantes sienten. La sensación de amor pleno, fuerte, sexual y espiritual.

 (Significados, 2016)

El cuadro “El Beso” de Gustav Klimt es considerado por algunos como la obra más famosa del mundo, superando a “La Monalisa”. Las obras han tenido gran fama que incluso ciertas animaciones, ilustraciones, etc., usan estas obras como referencia.

Ejemplo.

En el 2004 se transmitió el anime llamado “Elfen Lied”. Las imágenes del opening de dicha serie japonesa hacen referencia a las obras de Gustav Klimt.

EL URINARIO DE DUCHAMP

CUALIDADES:

·         Obra realizada por Marcel Duchamp en 1917 en Estados Unidos.

·         Cambió su nombre en 1917 por el de R. Mutt

·         La obra también es conocida como “La fuente”

·         Sus dimensiones son de 61 cm x 36 cm x 48 cm

·         La obra usa el dadaísmo el cual es un movimiento cultural y artístico que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich.

·         Hecho a base de cerámica.

ARMONÍA:

·         Colores Acromáticos.

·         Colores Complementarios

·         Grises

PSICOLOGÍA:

·         BLANCO: Este color representa la verdad, la cual podemos asociar con lo que Duchamp quería mostrar al público, lo cual era mostrar el objeto en su estado original, tal como es, a pesar de que este resulte desagradable.

·         NEGRO: el negro representa elegancia. En referencia a lo que Duchamp nos muestra podemos asumir que trata de transformar algo desagradable en algo elegante y artístico.

SIMBOLOGÍA:

·         Urinario: este representa la realidad, “El estado natural” de las cosas.

HOMBRE DESNUDO BAJANDO UNA ESCALERA 

CUALIDADES:

·         Obra de Marcel Duchamp realizada en 1912

·         Uso de pintura la aceite (Óleo sobre lienzo)

·         Estilo modernista y surrealista

·         Empleo del arte abstracto

·         Actualmente se ubica en el museo de arte de Filadelfia

·         Periodos: Cubismo y Cubofuturismo

·         Dimisiones de 147 x 89 Cm

ARMONÍA:

·         Colores Cálidos (Amarillo y rojo)

·         Colores análogos

·         Grises cromáticos

PSICOLOGÍA:

·         AMARILLOS: Muestra espontaneidad y energía, la cual favorece a la imagen del cuerpo  que se encuentra plasmada.

·         NARANJAS: Expresa exotismo y es llamativo a su vez, aunque esta tonalidad de naranja se muestre en pequeñas cantidades a diferencia del amarillo y sus derivados en grises acromáticos, este  naranja se complementa se complementa con el amarillo, haciendo la obra más llamativa.

·         SIMBOLOGÍA.

EL CUERPO HUMANO: A La imagen del cuerpo humano se la toma como una máquina en movimiento, esto es una idea futurista, tal como también lo vuestra el cubofuturismo.

NOCHE ESTRELLADA DE VAN GOGH

CUALIDADES:

·         Obra realizada por Vincent van Gogh en 1819.

·         Dimensiones de 74 cm x 92 cm.

·         Ubicada actualmente en el museo de arte moderno en Nueva York.

·         Uso de Cañamazo, y óleo sobre lienzo

·         Periodo de Posimpresionismo, Arte moderno

·         El árbol ubicado a la izquierda de la composición, presenta una direccional vertical de fuerte peso visual que compensa la forma del cuadrante superior derecho

ARMONÍA:

·         Colores Fríos: Azul, Celeste, Cian, Etc.

·         Colores Cálidos: Amarillo

·         Colores Análogos

·         Colores Complementarios

·         Triadas de primarios

·         Grises Cromáticos

·         Colores acromáticos

PSICOLOGÍA:

·         Azul: Expresa Eternidad, Libertad

·         Amarillo: representa energía, innovación,

·         NEGRO: símbolo de Elegancia, magia

·         BLANCO: Representa pureza, verdad.

SIMBOLOGÍA:

·         Árboles: Los árboles en la pintura son cipreses, los cuales son asociados con los cementerios y la muerte. Se dice que Van Gogh representó a los cipreses en su obra porque él sabía que su muerte estaba cerca

·          Estrellas: Al igual que los árboles, simbolizan la muerte, ya que Van Gogh dijo: “Mirando a las estrellas siempre me pone a soñar. ¿Por qué, me pregunto, no deberían los puntos brillantes del cielo ser tan accesibles como los puntos negros del mapa de Francia? Así como tomamos el tren para llegar a Tarascon o Rouen, tomamos la muerte para llegar a  una estrella.”

·         Casas: Literalmente las casas expresadas en la obra  son aquellas que él veía desde su ventana cuando se encontraba pintando el cuadro

TARDE DE DOMINGO EN LA ISLA DE LA GRANDE JATTE

CUALIDADES:

·         Cuadro realizado por el pintor neoimpresionista francés Georges Seurat en el siglo XX

·         Dimensiones de 2.08 m x 3.08 m

·         Actualmente se encuentra en el  Instituto de Arte de Chicago, Chicago, Estados Unido

·         Periodos de Puntillismo, Arte moderno, Posimpresionismo, Neoimpresionismo

·         Uso de Composición asimétrica, ya que sitúa de manera desigual los elementos a los dos lados del eje divisorio central, sin perder la unidad.

·         Uso de composición estática, porque se acentúa la sensación de calma o quietud.

ARMONÍA:

·         Colores Acromáticos

·         Grises cromáticos

·         Colores fríos y análogos

·         Colores Cálidos y análogos

·         Colores Secundarios

PSICOLOGÍA:

·         Verde: representa la naturaleza, la cual se aprecia fácilmente en la obra.

·         Azul: representa el agua, en la obra este color representa armonía y se complementa con el verde

·         Naranja: El color naranja  muestra lo llamativo de las cosas, en este caso ese contexto es reforzado, ya que al ser un color cálido, este resalta entre los colores fríos como lo es el verde de la naturaleza y el azul del lago

·         Blanco: el color blanco indica pureza, este color es aplicado al vestido de la pequeña, ubicada en la parte central de la pintura. EL blanco puede hacer referencia a la inocencia de la niña por su corta edad.

·         Negro: El negro representa elegancia  de algunos de sus personajes y el perro ubicado en la parte inferior central. Este color hace referencia a los atuendos que visten algunos de estos personajes, ya que como se aprecia, estos personajes tienen un buen estatus económico.

SIMBOLOGÍA:

·         MUJER CON SOMBRILLA: El estilo de vestimenta tipo “Coquette”, representa un amante mantenida

·         HOMBRE CON SOMBRERO: Se encuentra a lado de la mujer con sombrilla, por su vestimenta se deduce que es acaudalado

·         GRAN CANTIDAD DE PERSONAS: Seurat quería representar estas figuras como un clásico friso griego

·         MONO: Este representa el libertinaje y atado a una correa significaba que la mujer era una prostituta. Con esto Seurat quería enviar un mensaje secreto sobre la hipocresía existente como un rasgo de la sociedad francesa de ese tiempo.

·         SOLDADOS: Los soldados que se observan a la distancia representan las potenciales presas de las prostitutas.

·         MUJERES PESCANDO: Esta mujeres al borde del río han sido identificadas como prostitutas usando la pesca como un frente para su verdadero objetivo

·         MUJERES: Las mujeres que se apreciaban en la obra eran  consideradas prostitutas ya que todas tienen su rostro tapado, y en aquella época no podían mostrarse abiertamente. ( símbolo de interés sexual, lujuria o impudicia)

·         VESTIMENTA: En la parte inferior izquierda se aprecia a 3 personas, de los cuales se puede apreciar que 2 son de un estatus social superior, por su forma de vestir, mientras que la tercera persona muestra una ropa más común, Esto representaba las diferentes clases sociales.

LAS  ESTACIONES DE ALPHONSE MUCHA

CUALIDADES:

·         La obra está conformada por 4 cuadros (Primavera, verano, otoño e invierno)

·         Técnica de óleo sobre tabla.

·         Obra realizada por Alphonse Mucha en 1896

·         La obra fue realizada bajo pedido de Champenois

·         Se realizó dos sistemas de lámina en el mismo tema entre el año de 1897 y 1900

·         Uso de arcos bizantinos, y elementos de la naturaleza en cada diseño

ARMONÍA:

·         En los cuadros de “Primavera”, “Otoño”, “Verano”, se emplea los colores Cálidos y análogos en gran parte,resaltando de entre los colores Fríos, los cuales son usados en pocas proporciones

·         El cuadro de “Invierno” se emplea en gran cantidad los Colores Fríos y sus análogos, los cuales tienen una pigmentación muy baja.

·         Empleo de triada de colores primarios

·         Manejo de Colores complementarios

·         Uso de grises cromáticos

PSICOLOGÍA:

·         AZUL: Armonía, calma

·         BLANCO: Pureza, sensación de amplitud

·         ROJO: Pasión, intensidad.

·         NARANJA: Fertilidad, Naturaleza, Juventud, Refrescante

SIMBOLOGÍA:

·         PLANTAS: Representan la naturaleza, abundante flora. Sus vivos colores representan la vida que cada estación trae.

·         VESTIDOS: Sus diseños, en aquella época actuales, eran una representación de lo “nuevo” de los primeros días de cada estación. Básicamente muestran la juventud, lo cual favorece a la imagen de la mujer

·         PLATO: En el cuadro de “Otoño”, este representa la abundancia de las cosechas que se da en dicha estación.

·         FONDO: representa el calor, vitalidad, de la estación.

·         MUJER: Simboliza la pasión y amor de las mujeres, esto se complementa con la tonalidad rojiza que tiene el fondo

·         NIEVE: Claramente, simboliza la llegada del invierno.

LAS DAMISELAS DE AVIGNON

CUALIDADES:

·         AUTOR: Pablo Picasso

·         Periodo del Cubismo

·         Óleo sobre aceite

·         Año de 1907

·         Dimensiones de 243,9 x 233,7 cm.

·         Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York

·         Impone un nuevo movimiento, ya que rompe con el Realismo

·         Pertenece a las vanguardias pictóricas del siglo XX

·         Composición Geometrizada

ARMONÍA:

·         Colores Cálidos y análogos

·         Colores Fríos y análogos

·         Grises Acromáticos

·         Grises Cromáticos

·         Colores Cromáticos

·         Colores Complementarios

·         Triada de primarios

PSICOLOGÍA:

·         NARANJA: Exotismo, llamativo.

·         AZUL: Armonía, Simpatía

·         BLANCO: sensación de amplitud

SIMBOLOGÍA:

·         MUJERES: Picasso se inspiró y representó una escena de un prostíbulo de la calle barcelonesa de Avinyó.

·         BODEGÓN: Este elemento  hace referencia del “ofrecimiento” de las prostitutas al espectador, como si fuesen objetos en exhibición.

·         ROSTROS (Tonalidad): En el cuadrante izquierdo se encuentra una mujer con su rostro de un tono más oscuro al resto, esto muestra  la variedad en etnias .

·         ROSTROS (Forma): Los rostros aparecen deformados, guardando semejanza con máscaras africanas, como si el pintor quisiera con ello destacar la naturaleza "salvaje" e indomable de las muchachas

·         RASGOS GEOMÉTRICOS: Referencia del arte en relieve egipcio. Picasso recurre a la visión múltiple (varios puntos de vista unidos en una misma imagen) que acaba con la idea del pintor inmóvil y nos enseña todos los puntos de vista de una imagen a la vez que introducen el factor tiempo en el cuadro.

·         FRUTAS: Símbolo de la sexualidad femenina, simbología acorde con el tema de la obra, un prostíbulo.

(Camarasa, seordelbiombo, 2014)

LA CENA DE EMAUS CARAVAGGIO

CUALIDADES:

·         OBRA REALIZADA EN 1602

·         ARTE CRISTIANO

·         PERIODO DE BARROCO

·         140 cm x 197 cm

·         Técnica de Óleo sobre lienzo

·         Actualmente se ubica en  National Gallery de Londres, Londres, Bandera de Reino Unido Reino Unido

·         Estilo realista

ARMONÍA:

·         Colores Cálidos (Rojos)

·         Colores Análogos rojos

·         Colores acromáticos

·         Grises acromáticos

·         Grises cromáticos

PSICOLOGÍA:

·         ROJO: Muestra Amor, Pasión,  la cual al estar relacionada con el arte cristiano, podemos interpretar este color con el amor de Cristo hacia la humanidad y el valor que muestra al morir por todos

·         BLANCO: Representa la pureza, Al relacionar este color con el Cristianismo lo podemos interpretar como la honestidad, pureza  y verdad, Lo cual está relacionado con los mandamientos aquella religión

·         NEGRO: Muestra el poder, elegancia. En la parte izquierda de la obra se aprecia a un hombre que al parecer viste una túnica, la cual se asemeja a la de los posaderos, esto hace referencia al poder y dominio sobre algo.

SIMBOLOGÍA:

·         BODEGÓN (ELEMENTOS EN LA MESA): La naturaleza muerta está reforzando el mensaje central. Las manzanas podridas y los higos en mal estado simbolizan el pecado original, a la vez que la granada era un conocido símbolo de la corona de espinas.

·         EL POSADERO: (HOMBRE DE PIE CON VESTIMENTA OSCURA): Caravaggio consigue de esta manera la representación del mundo de los no creyentes.

·         SOMBRA DEL POSADERO: Su sombra forma un círculo oscuro alrededor de la cabeza de Jesús; incluso los ignorantes e infieles honran a Cristo, aunque involuntariamente.

·         MOVIMIENTOS CORPORALES DEL PERSONAJE: Los contemporáneos de Caravaggio pensaban que el movimiento físico era la forma más apropiada y eficaz de expresar el estado emocional de una persona, idea que ilustra la pose teatral de este discípulo. Sus brazos extendidos hacen eco de la crucifixión.

·         CONCHA: La concha en la ropa del discípulo da a entender que es Santiago el Mayor.

                                                LA CREACIÓN DE MIGUEL ÁNGEL

CUALIDADES:

·         Obra realizada por Migue Ángel en 1511

·         Dimensiones de  280 cm × 570 cm

·         Uso de Pintura, Yeso

·         Periodos: Renacimiento, Renacimiento italiano, Alto Renacimiento

·         Ubicación: Capilla Sixtina

·         Composición asimétrica

·         Peso visual equilibrado en la parte derecha e izquierda

·         Plano apaisado

ARMONÍA:

·         Colores fríos.

·         Colores cálidos

·         Grises cromáticos

·         Grises acromáticos

·         Triada de colores primarios

PSICOLOGÍA:

·         AZUL (Color frío): Representa eternidad, armonía. Este es el color que predomina y el que se encuentra en mayor cantidad en el fondo, ese color es blanquecino, el cual le da un toque de luz al cuadro, dejando el primer plano, es decir a Adán y a Dios con un contraste de luz .

·         VERDE: Este representa la Naturaleza, juventud. Este verde grisáceo resalta del fondo azul blanquecino.

·         ROJO, NARANJA (y sus análogos): Al ser colores cálidos estos son los que más llaman la atención, no solo por su pigmentación, si no que al tener  otros elementos en colores fríos, el naranja por ende tiene a resaltar en contraste. Además tomando en cuenta el efecto psicológico de los colores cálidos  estos expresan lo llamativo y exotismo.

·         BLANCO: Este representa la Pureza. Este es el color que tiene mayor impacto visual, por el hecho de que este es un color acromático, el cual destaca incluso del fondo azul  blanquecino

SIMBOLOGÍA:

·         CEREBRO: La figura que se encuentra detrás de Dios, tiene la forma de un cerebro humano. Esto se debe a que  en aquella época estaba prohibido diseccionar cadáveres. Sin embargo, él lo hacía  y se vengó de la prohibición poniendo al propio Dios encima de la silueta de un cerebro

·         LA CREACIÓN DE EVA: se percibe que la pierna derecha de Adán es en realidad el busto estilizado de una mujer.

·         CHISPA: Chispa divina que convertía al hombre en imagen de Dios, diferenciándolo del resto de animales de la Creación. pues es la inteligencia, en su plano más inmediato, y la intuición en su más inmediato plano sobrenatural. Y Miguel Ángel expresa esta idea de una forma oculta y sutil.

·         NATURALEZA: La imagen de la naturaleza mostrada en tercer plano es una referencia a la creación de Dios, el cual muestra la continua creación del mundo en el tercer día.

·         DIOS: elemento principal en la obra, muestra la creación al darle vida a Adán. Referencia del Génesis en el tercer día de creación (Génesis 1:27)

·         ADÁN: Representación de la creación del hombre por Dios.

·         MANTO: Miguel ángel Muestra un pequeño manto, el cual representa la divinidad de Dios

Bibliografía

Camarasa, V. (15 de 06 de 2013). seordelbiombo. Obtenido de seordelbiombo: http://seordelbiombo.blogspot.com/2013/03/analisis-y-comentario-del-guernica-de.html

Camarasa, V. (10 de 02 de 2014). seordelbiombo. Obtenido de seordelbiombo: http://seordelbiombo.blogspot.com/2014/02/analisis-y-comentario-picasso-las.html

Roman, M. (25 de 05 de 2012). Marisolroman. Obtenido de http://www.marisolroman.com/2011/09/28/guernica-1937/

Significados. (04 de 03 de 2016). Obtenido de https://www.significados.com/cuadro-el-beso-de-gustav-klimt/